Постимпрессионизм — сущностные состояния жизни
К началу 1890-х гг. относится повсеместное признание импрессионизма. И в это же время он распадается на несколько направлений. Одно из них, неоимпрессионизм, возникает еще в начале 1880-х гг. Его ведущими мастерами были Ж. Сера и П. Синьяк. Живопись Жоржа Сёра (1859— 1891), выпускника Школы изящных искусств, где он изучал Энгра, Делакруа и старых мастеров, сразу обратила на себя внимание необычайностью манеры. Большая картина Сёра «Воскресный день на Гранд-Жатт» (1884—1886) была написана раздельными мазками в виде точек и квадратов, что и дало название всему течению — пуантилизм («точка»). В отличие от импрессионистов в картине Сёра выражен контраст между живым, пронизанным солнцем пейзажем и застывшими человеческими фигурами, подчеркнуто схематизированными. Живые мотивы в картинах Сёра сводятся к простым лаконичным формам и сдержанной блеклой цветовой гамме. В творчестве этого живописца постепенно появляется тяга к монументализации формы, игре сложных линейных ритмов, тончайшим отношениям желтоватых и голубоватых, красноватых и сероватых оттенков, сливающихся в приглушенные, изысканные цветовые плоскости.
Ведущий мастер постимпрессионизма — Поль Сезанн (1839-1906), родившийся в Эксе на юге Франции, учился в местной художественной школе. В 1861 г. он отправился в Париж для знакомства с работами старых мастеров, особое влияние на него оказали Тинторетто, Эль Греко и Рибера, также большой интерес вызвали полотна Делакруа и Домье. С начала 1880-х гг. Сезанн уединился в Эксе и почти не показывался в Париже. Искусство прошлого подвергалось у Сезанна переосмыслению, он стремился создать на основе изучения традиций и их проверки природой новую художественную систему. Он искал общие, неизменные представления о реальности, способные выявить внутреннюю геометрическую структуру природных форм. В пейзажах Сезанна, написанных в 1880-х гг. («Гора Сент-Виктуар с большой сосной», «Долина реки Арк с акведуком»), как бы возрождается чувство огромной пространственной вместимости мира, архитектурной организованности. Сезанн постоянно пользовался методами как прямой, так и обратной перспективы, Центр тяжести в его картинах смещен к горизонту. Первый план — всегда высветленный, написан раздельными мазками. Усиленный синевой второй план всегда выглядит интенсивнее по тону. Чем глубже взор зрителя проникает в картину, тем более четкие объемы возникают перед ним. Задний план в картинах Сезанна как бы давит на передний, отсюда ощущение напряженности формы. Недаром некоторые исследователи называют пейзаж Сезанна «геологическим», где все предельно кристаллизовано.
Сезанн придавал философскую глубину не только пейзажу, но и натюрморту. Художник возрождал то любовное отношение к вещам, которое было у старых фламандских и французских мастеров. Строго отобранные предметы воспринимаются монументально и предельно объемно. В натюрмортах Сезанн не искал разнообразных мотивов, предпочитая писать яблоки, груши, апельсины, поскольку они полнее всего, с его точки зрения, выражают основные формы предметного мира. Постепенно живопись Сезанна становится настолько декоративной, что даже не нуждается в раме: его пейзаж напоминает гобелен. Содержательность, вдумчивость, сосредоточенность, монументальность отличают и портреты Сезанна, считавшего, что «лицо — это вершина искусства». Живопись голландца Винсента Ван Гога (1853—1890) ныне известна во всем мире, а при жизни художнику удалось продать только одну картину. Он родился в семье деревенского пастора на западе Брабанта в Голландии, до 27 лет работал в Гааге, Лондоне и Париже служащим фирмы «Гупиль» по продаже картин, затем в Англии сельским учителем, в Амстердаме изучал теологию и, наконец, сделался христианским проповедником в шахтерском поселке Боринаж, на юге Бельгии. С юных лет он чувствовал себя чужим среди нормальных прагматичных современников.
В 28 лет Ван Гог самостоятельно начал осваивать рисунок и живопись. Наибольший интерес у него вызывала человеческая фигура. В самом движении, ритме линий искал он характер своих персонажей: землекопов, сеятелей, рыбаков, рабочих, обитателей богаделен. Работая в Ню-энене, где жил его отец-пастор, Ван Гог написал 190 живописных полотен, среди них знаменитую картину «Едоки картофеля», а также более 200 рисунков. Следующий период жизни Ван Гога — двухлетнее пребывание в Париже, где он познакомился с импрессионистами и неоимпрессионистами. С его полотен исчезла темная, мрачная цветовая гамма картин «голландского» периода. Творчески освоив новейшие художественные достижения, Ван Гог в 1888 г. переехал из Парижа на юг Франции, в Арль, где в течение двух лет написал несколько сотен картин. Первое, что поражает зрителя, смотрящего на картины Ван Гога, — это то, как они написаны. Его живописная манера передает внутреннее переживание художника. Он подчинил свой стиль выражению чувств, стремился изображать как бы символ предмета, видел не конкретные тела, а явления. Огромное значение художник придавал цвету. Хотя Ван Гог писал с натуры, его изображение природы глубоко символично. В знаменитой картине «Ночное кафе» художник стремился показать, что «кафе — это место, где можно разориться, сойти с ума, совершить преступление». Ван Гог — поэт желтого цвета, что ярко проявилось в его картине «Подсолнухи». Огненно-желтые, ярко-лимонные пламенные аккорды завораживают зрителя.
Художник покинул Сен-Реми в мае 1890 г. и переехал в Овер, близ Парижа, где он находился под наблюдением доктора Гаше, друга многих художников. В «Портрете доктора Гаше» проявились все особенности портретного метода Ван Гога. Он писал человека так же, как рисовал дерево, подчеркивая все существенное и опуская все случайное. Жизнь и творчество Поля Гогена (1848 — 1903) овеяны легендами и экзотикой: детство он провел в Перу, в юности матросом плавал в тропиках, работал в Париже биржевым маклером. Живописью Гоген начал заниматься в 35 лет, после чего покинул Париж, перебрался на Таити, а затем на остров Доминику, где и закончил свои дни. Начав как импрессионист, Гоген довольно быстро охладел к этому направлению. Художник стремился овладеть такой живописной системой, основу которой составляла бы гармония чистых цветов, подобно звукам в музыке. Эту систему он назвал «синтетизм». Большое влияние на стиль Гогена оказало японское искусство. Плоскостное решение композиции, пространственные изменения, предельная обобщенность деталей, отсутствие цветовой моделировки отдельного предмета — это те киты, на которых основано творчество Гогена.
В 1891 г. Гоген уезжает в Полинезию. Написанная им книга «Ноа Ноа» («Земля благоуханная») передает восторг художника перед миром, в котором «человек, как земля, не жалел своего добра». На Таити живопись Гогена приобрела гармоническое звучание. Яркие, звучные, чистые краски — отражение его чувств, преклонение перед экзотической природой, воспринимаемой как земной рай. Таитянские картины Гогена подобны неким видениям, длящимся в вечности. Отсюда неторопливость, застылость фигур, их загадочная недосказанность и «закрытость» для европейского зрителя, хотя они предельно обнажены. Но эта обнаженность целомудренна, таитянские женщины так же естественны, просты и драгоценны, как экзотические деревья, увитые лианами, роскошные плоды, рдеющие в изумрудной траве. В 1897 г. Гоген в течение одного месяца написал большое полотно «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?», которое считал своим духовным завещанием. Искусство Гогена предвосхитило творчество многих художников, писавших чистыми красками, упрощавших формы, отказавшихся от моделировки и светотени во имя экспрессии. Большое значение имел сам факт обращения Гогена к экзотическому миру Океании.
