Изобразительное искусство Франции
Постепенный упадок и крушение абсолютизма во Франции, как в зеркале, отразило изобразительное искусство XVIII в.
Поворот к интимному, эмоциональному, индивидуальному, намечавшийся в начале века в искусстве, наиболее заметен в творчестве Антуана Ватто (1684 — 1721). В историю живописи Ватто вошел как мастер «галантных празднеств» — Академия живописи, принимая его в свои члены, специально для него изобрела это новое определение. Ватто — несравненный лирик, тонкий, изысканный художник. Его «празднества» происходили на фоне вымышленной природы, совсем не похожей на французские парки того времени с их условной симметрией.
Творчество Ватто было связано с театром, и его полотна напоминают о театре. Грань между искусством и действительностью почти неощутима во многих его картинах. Ватто — один из тонких и изысканных колористов в мировой живописи. Новые переливы его золотистых, голубых, розовых, зеленоватых тонов звучат, как музыка, которую художник страстно любил. Художник не оставил после себя учеников и последователей. Тем не менее в истории французского искусства прочно укоренился термин «школа Ватто».
Портрет в эпоху рококо становится одним из самых популярных жанров. Многие знаменитые портретисты начинали как исторические живописцы. Крупнейшим портретистом и яркой личностью был Морис Кантен де Латур (1704-1788). И современники, и потомки поражались его независимости и смелости по отношению к высокопоставленным заказчикам. Так, если дочь Людовика XV пропускала сеанс, он бросал ее портрет незаконченным. Работая над королевским портретом, он читал королю лекции о своем видении политики Франции. Художника отличает глубокое проникновение в личность изображенного человека, легкая, импровизированная манера, за которой стоит тщательная и напряженная работа.
Рядом с рококо во Франции XVIII в. успешно развивалось и другое искусство. Прежде всего это относится к творчеству Жана Батиста Симеона Шардена (1699—1779), сумевшего великолепно выразить идеологию третьего сословия. Круг тем Шардена определяется сразу: натюрморт, бытовая живопись, портрет. В ранних натюрмортах ощущается влияние фламандцев. Это касается больших, нарочито скомпонованных «Атрибутов наук» и «Атрибутов искусств». Вслед за ними появились небольшие по размеру натюрморты, внешне скромные, составленные из двух-трех предметов, но исполненные с большим вниманием к каждой детали.
Искусство, по убеждению философа и художественного критика Дидро, призвано исправлять нравы, формировать сознание и вдохновлять на подвиги. Таким художником, по его мнению, был Жан Батист Грёз (1725 — 1805). Его знаменитая картина «Паралитик» носит морализаторский характер, который усиливается комментариями художника, в которых объясняется значение каждого персонажа и смысл его жестов, тем самым предлагая не живописный, а литературный способ восприятия. Отсюда и характер живописи Грёза — монотонной по цвету, вялой по рисунку, искусственной по композиции. Начиная с 1770-х гг. Грёз пришел к особому типу картины — по грудным изображениям юных девушек, склоненных над разбитым кувшином, оплакивающих птичку, ласкающих собачку. Эти образы обозначили зарождение сентиментализма, основоположником которого в живописи принято считать Грёза.
Полной противоположностью пассивному искусству Грёза является активная, мажорная живопись Оноре Фрагонара (1732—1806). В его творчестве соединились блистательная легкость рококо, бурная патетика высокого исторического стиля, мастерство незаурядного портретиста. Ему не была чужда импровизация, он легко и вдохновенно развивал любую тему, превращая ее в настоящее произведение искусства. Ранние картины Фрагонара выполнены в традициях рококо с присущим стилю изяществом. Это наиболее ярко проявилось в его «Качелях», пронизанных атмосферой молодости. Полотна Фрагонара предвосхитили будущие успехи романтиков XIX в. Стиль рококо, весьма далекий от реальности, отступил в 1760-е гг. на второй план. Идея разума как движущей силы прогресса, выдвинутая просветителями, развивалась во всех сферах культуры Франции. Начиналось углубленное изучение античности, в которой увидели идеал гражданственности.
Среди крупных мастеров, вдохновенно воспевавших античный дух, выделяется Юбер Робер (1733-1808). Попав в Рим в 1754 г., Робер сразу же нашел себя как «живописец руин». «Рим, даже будучи разрушенным, учит» — эта надпись художника на одном из рисунков стала девизом его творчества. Робер вернулся в Париж в 1765 г. уже признанным мастером; ему присудили звание академика, дававшее право участвовать в Салонах, выставках, которые устраивались в Лувре. И к концу столетия Робер сделался одним из самых модных художников. Жизнеутверждающий пафос, чувство ансамбля, замечательное колористическое чутье сделали Юбера Робера одним из виднейших мастеров классицизма.
Искусство Жака Луи Давида (1748 — 1825) — ведущего мастера французской живописи эпохи Революции — объединило античные образы с новыми идеями, захватившими французское общество. Жизнь и творчество Давида тесно связаны с эпохой Революции. В 1790 г., став членом якобинского клуба, он написал картину «Клятва в зале для игры в мяч», соответствующую идеалам эпохи. Спустя два года Давида избрали членом Конвента, а в 1793 г. появилось полотно «Смерть Марата» — символ Революции.
Дальнейшая его деятельность протекала в XIX в., т. е. времени «наполеоновской эпопеи». Програмное произведение Давида — «Клятва Горациев» (1784) — синтезировало идеи предреволюционных лет: утверждение агитационной роли искусства, обращение к теме тираноборчества, присущей республиканскому Риму, стремление сделать искусство современным, направленным против абсолютизма. Главные стилевые признаки художника: строгость, четкость силуэтов, аскетизм, ритмичность, уподобление фигур барельефу, преобладание рисунка над цветом.
