Уистлер, Джеймс (1834 — 1903)
Композиция в сером (автопортрет). Д.Уистлер. 1871-1873 гг. Институт искусств в Детройте.
В истории живописи был художник, родившийся в США, проведший юность в России, и проработавший большую часть жизни в Париже. Джеймс Уистлер родился 10 июля 1834 года в Лоуэлле, промышленном городе США. Пребывание в России во многом сказалось на формировании его таланта. В Петербург Уистлер приехал подростком осенью 1843 года, когда его отец, инженер-путеец, был, в числе других, приглашен Российским правительством для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы. Годы детства и юности, проведенные будущим художником в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясений жизни. Северная Пальмира предстала перед ним в великолепии дворцов, блеске военных парадов, огнях фейерверков, освещавших вечернее небо столицы мириадами падающих звезд. Дом, где жили Уистлеры, находился близ величественных архитектурных ансамблей города.
Уистлер рано пристрастился к рисованию.
Уроки мальчику начал давать А.Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джимми Уистлер благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Академию тех лет принято называть брюлловской. Корицкий, у которого Уистлер продолжал заниматься, был одним из близких учеников Брюллова. В 14 лет он твердо избирает путь художника. Но, в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку. Систематические занятия искусством приходится прекратить. Отдав дань семейным традициям, Уистлер проучился три года в Уэст-Пойнтской военной академии, затем работал чертежником в Геодезическом управлении, где овладел техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Девушка в белом (Джоан Хифернан). Д.Уистлер. 1864, Галерея Тейт, Лондон.
Осенью 1855 года Джеймс Уистлер с согласия родных переехал в Париж, чтобы стать профессиональным художником.
Он навсегда покинул Америку, лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять место в музеях. В Париже Уистлер посещал мастерскую Ш.Глейра, сторонника академизма. Он пользовался уважением учеников, среди которых в 60-х годах были такие художники как О.Ренуар, К.Моне, А.Сислей. Соученик Уистлера Д.Дюморье описал в романе Трильби мастерскую Глейра и изобразил Джеймса ленивым учеником, королем бродяг, которому все прощалось за его обаяние. Однако ленивец всегда находил время, чтобы, находясь в Лувре, поучиться благородной сдержанности колорита и пристальному вниманию к живому человеку на произведениях Рембрандта, Веласкеса, Хальса. Он сумел оценить реалистический пафос полотен Г.Курбе, и воздействие их оказалось чрезвычайно благотворным.
Гармония в сером и зеленом (мадемуазель Сесиль Александер). 1872-1874 гг. Д.Уистлер.
Уже в 1858 году Уистлер опубликовал свои первые Двенадцать офортов с натуры, сделанных в Париже, Лондоне и на Рейне, в которых ясно ощущалось влияние Рембрандта. Офорты сразу же завоевали популярность, а их автор предстал сложившимся мастером художественной гравюры, переживавшей в те годы период глубокого упадка. Приемы Уистлера в работе над офортами были своеобразны и требовали повышенной остроты глаза и твердости руки. Обычно, он рисовал непосредственно с натуры на небольших медных досках, работая в технике сухой иглы, позволявшей достигать особой насыщенности и изящества красочных линий.
В Лондоне в 1859 — 1860 годах Уистлер создал серию офортов Темза.
Художник стремился увидеть и отразить поэзию труда. Особенно удачен офорт Пристань Черного Льва. Полотно У рояля 1859 года получило одобрение Курбе. На нем изображены близкие Уистлеру люди сестра Дебора и ее дочь Анни. Тему домашнего музыкального концерта, часто встречающуюся в голландской живописи, художник решил по-своему, совместив ее с темой материнства. Картина написана в сдержанной цветовой гамме. Целостность восприятия достигалась тонко прочувствованной градацией света и тени, гармонией чуть приглушенных контрастов, одновременно тональных и цветовых (черного и белого, темно-красного и светло-зеленого). Композиция была выстроена в соответствии с классическими канонами: фигуры матери и дочери, склоненные к роялю, вписаны в треугольник, вершина которого выходит за край полотна. Повторы горизонтальных линий пола, корпуса рояля, рам на стене создают второй, слабее намеченный ритм.
Симфония в белом No 1. Девушка в белом. Д.Уистлер. 1862 г.
Вашингтон. Национальная Галерея.
В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом No 1″.
Девушка в белом», решенная в необычайной для тех лет осветленной гамме. Сейчас уже трудно поверить, что эта работа, выставленная вместе с «Завтраком на траве» Э.Мане в Салоне отверженных, вызывала смех у зрителей, приученных к поверхностно — литературному восприятию живописи. Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, при сдержанности колорита.
Увлечение экзотическим Востоком Уистлер стремится передать в своих произведениях:
- Принцесса страны фарфора,
- Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма,
- Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок.
- Симфония в белом № 2.
Девочка в белом, созданная в 1864 году завершила цикл картин. На полотне Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей: японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора, ветки цветущей азалии. Работу отличают ясность и декоративность. Общее впечатление от картины сдержанно радостное.
Портрет матери. Д.Уистлер. 1871-1873 гг.
Глубоко психологичным выглядит «Портрет матери», созданный Уистлером в 1871 году.
Ее колорит решен в серых и черных тонах. Композиция картины построена с использованием прямоугольных плоскостей: стен, рамки висящей картины, темной драпировки. Черное платье пожилой женщины вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины, ритм восходящих светлых пятен ведет взгляд зрителя к центру картины ясному профилю лица. Художник сознательно повторил выбранные композиционное и колористическое решения в работе над портретом английского историка и философа Томаса Карлейля. В людях, проживших большую трудную жизнь, он ощутил и смог передать сохраненную молодость души вечно женственной на портрете матери, и мятежной на портрете Карлейля.
Композиция в сером и черном No 2. Портрет Томаса Карлейля. Д.Уистлер.
Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» Уистлер работал в течение 70 сеансов.
Создавая образ девушки, Уистлер, несомненно, шел от инфант Веласкеса. Поэтичностью проникнут и портрет миссис Лейланд, выдержанный в светлых оттенках розоватых тонов. Художник постепенно вырабатывал тип светского портрета, который развивал в дальнейшем. К этому времени технические приемы мастера уже сложились. Он писал большими кистями на длинных рукоятях и наносил мазки сильными быстрыми ударами. Вместо палитры, художник пользовался маленьким столиком, в центре которого располагал белила, слева от них лимонно-желтую, кадмий, охру светлую, сиену натуральную, умбру натуральную, кобальт, ультрамарин и разновидность берлинской лазури; справа киноварь, венецианскую красную, индийскую красную, краплак и черную жженую слоновую кость. Зеленые краски отсутствовали. Разбеленную слоновую кость, дающую в красивый перламутровый тон, Уистлер, по примеру Ш.Глейра, использовал в качестве всеобщего гармонизатора, вводя ее почти во все красочные смеси. Холсты грунтовались смесью белил и слоновой кости.
Гармония в красном, розовом и фиолетовом. Д.Уистлер. 1883 — 1884 гг. Охайо, Музей искусств.
Следуя советам Глейра, и передавая их затем своим ученикам, Уистлер сначала, тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды, фона в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках, заливая сверху водой. Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих симфониях и аранжировках он не довольствовался частичными исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.
Зелено-розовый ноктюрн. Д.Уистлер. 1861 г. Галерея искусства Фрир, Вашингтон
Творчество декоратора Уистлер ценил не меньше своих картин.
Одним из первых он понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок, перегруженности мебелью. При оформлении выставок художник ввел принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая Павлинья комната столовая в доме Лейландов. Там должна была висеть картина Уистлера Принцесса страны фарфора, и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное. Роспись Павлиньей комнаты предвещает возникновение панно стиля модерн конца XIX начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями глазков, в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах.
Комната с павлинами. 1867-1877 гг. Д.Уистлер.
К поэтическому отображению вечерней и ночной Темзы, ее старых мостов, огней над рекой Уистлер шел от петербургских впечатлений юности, и от гравюр японских мастеров.
Так, в «Ноктюрне в синем и золотом» сказалось знакомство Уистлера с гравюрой Хиросигэ «Склады бамбука у моста Кёбаси». Первоначально, он пытался делать наброски мелом на коричневой бумаге, но впоследствии полагался только на зрительную память. Для работы Уистлер использовал небольшие холсты или дощечки с красным, темно-красным, темно-синим и черным грунтом. Он писал маслом, но очень жидко, как бы в технике акварели, добиваясь нужных эффектов освещения.
Созданные Уистлером произведения были не только фактами биографии, но во многом определяли саму его жизнь.
Картина «Ноктюрн в черном и золотом», «Падающая ракета» 1875 года вызвала нападки известного критика Д.Рескина, обвинившего автора в том, что он бросил в лицо публике горшок с краской. В результате — судебный процесс, хотя и выигранный Уистлером, но приведший к его разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции. В эти месяцы Уистлер жил в Венеции, работая над офортами и пастелями. Хотя выставки венецианских работ, которым была присуща особая воздушность и мягкость, прошла в Лондоне с большим успехом, агрессивное отношение со стороны критики не прекращалось. Постепенно, в художнике произошел душевный надлом. По-прежнему, все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла энергия, стали чаще встречаться композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур, порой, назойливо напоминали о себе.
Но, постепенно, пришли признание и успех, появились почитатели и заказчики. «Портрет матери» приобрело французское правительство, «Портрет Т.Карлейля» занял почетное место в Художественной галерее в Глазго. Как когда-то в юности, на склоне лет в жизнь Уистлера еще раз вошла Россия. В январе 1899 года художница А.Остроумова, ученица Репина по Академии художеств, пришла в живописную мастерскую Уистлера в Париже. Однако, художник, к тому времени уже не брал учеников. Поэтому, на вопрос, у кого ей учиться искусству гравюры, он лишь сказал: «…Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине, или не постигают совсем».
При подготовке публикации были использованы материалы статьи
«Я художник и родился в Петербурге» В.Барашкова, М.1983 г.
